lunes, 26 de septiembre de 2016

ARTE POVERA - ARTE POBRE

El término arte povera (del italiano arte pobre) es una tendencia de finales del la década de 1960, los artistas utilizan materiales considerados pobres y no industriales, de muy fácil obtención o hasta de poco valor, como madera, plantas, sacos de lona, troncos, tierra, hojas o rocas, vajilla, placas de plomo o cristal, vegetales, telas, carbón o arcilla, o también materiales de desecho.

En un esfuerzo por huir de la comercialización del objeto artístico, ocupan el espacio y exigen la intervención del público. Tratan de provocar una reflexión entre el objeto y su forma, a través de la manipulación del material y la observación de sus cualidades específicas.
MARIO MERZ

El arte povera, rechazaba los iconos de los medios de comunicación masivos  y las imágenes reductivistas, así como también las industriales del pop art y el minimalismo. Propone un modelo de extremismo operacional basado en valores marginales y pobres. Utiliza un alto grado de creatividad y espontaneidad e implica una recuperación de la inspiración, la energía, el placer y la ilusión convertida en utopía.
JANIS KOUNELLIS

El arte povera prefiere el contacto directo con los materiales sin significación cultural alguna, materiales que no importa su procedencia, ni uso, que sean reutilizados o transformados por el artista.

El artista povera debía trabajar sobre cosas del mundo, producir hechos mágicos, descubrir raíces de los acontecimientos partiendo de materiales y principios dados en la naturaleza. No expresa juicios sobre su entorno.
VIK MUNIZ

El arte povera también es considerado por el artista como una extensión del cuerpo y el alma del mismo conectándose directamente con el entorno, la naturaleza y todo lo que le rodea, entrando en armonía. Sus obras aunque no convencionales tienen una gran armonía y estilo únicos, dado por los materiales no comunes con los que se trabaja.

domingo, 25 de septiembre de 2016

NAIF

El concepto NAIF alude no solo a cierto estilo, aplicado en el arte, sino que se formaliza en una graciosa falta de conocimientos técnicos y teóricos: en algunos casos suele faltar un sistema de perspectiva o una línea de fuga, así como un ajustado criterio de las proporciones o un elaborado trabajo cromático, por lo que podríamos decir que los autores pintaban lo que ellos deseaban o les parecía más adecuado sin atenerse a ninguna norma. 

Henri Julien Félix Rousseau, llamado "El aduanero Rousseau" - fue un célebre pintor francés, uno de los máximos representantes del arte naif




NAIF es un estilo artístico que representa una realidad ingenua y expontanea con sensibilidad infantil. Esta corriente artística se caracteriza por una gran simplicidad en las formas, el uso de colores muy vivos, el rechazo del academicismo técnico, llevada al autodidactismo y la intuicion de los artistas. En muchos aspectos, recuerda (o se inspira en) el arte infantil.

Aunque el genuino NAIFpor definición no puede tener motivos predeterminados, suelen darse (debido al ambiente cultural en que surge) temáticas relacionadas con la vida campesina, la vida familiar, las costumbres, las tradiciones y la religión, representados siempre con gran imaginación y vivacidad. El naíf propiamente dicho se suele encontrar en ciertas pinturas populares o folclóricas. 

FELICIANO CARVALLO - La Máxima Expresión del Arte Ingenuo en Venezuela
CARLOS RIVERO - Conocido y prestigioso pintor popular Venezolano, poseedor de un Arte Naifes

ARTE ABSTRACTO

Arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones.

El arte abstracto no imita o reproduce fielmente lo natural. Rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista. En otras palabras, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.

El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.
POLLOCK - Expresionismo Abstracto. Era reconocido por su estilo único de salpicar pintura.



La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligera, parcial o completa. 

Por lo tanto una obra de arte puede ser en parte abstracta, posee libertades de alterar o cambiar la forma y el color de manera evidente. Mientras que la abstracción total, no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible. 

El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes. Pero el arte figurativo y el representativo (o realista) a menudo contiene algo de abstracción parcial. 

PICASSO - Cubismo
Entre los muy diversos movimientos artísticos que personifican una abstracción parcial estarían por ejemplo el fauvismo en el que el color está intencionadamente alterado en relación con la realidad, y el cubismo, que claramente altera las formas de la vida real en los objetos que representa.
HENRI MATISSE - Fauvismo  o Fovismo


Arte Cinético - Arte Óptico

El arte cinético es una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo. Es una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para producir una impresión de movimiento. 
Eusebio Sempere
Britget Riley

La pintura cinética maneja el efecto visual y la percepción que se produce al mirar una figura bidimensional sin ninguna alteración, si no simplemente la combinación de formas y colores, una especie de ilusión óptica.

El Arte Óptico (OP ART) es un movimiento pictórico, nacido en los Estados Unidos en el año 1958, que junto con el arte cinético conforman corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. 

También se habla del efecto o patrón de Moiré, formado por dos conjuntos de líneas paralelas, un conjunto inclinado en un ángulo de 5 grados respecto al otro.
Efecto Moiré

Es uno de los máximos representantes del op art (arte óptico) a nivel mundial. Nació en Caracas, Venezuela, el 17 de agosto de 1923 y desde 1930, vive y trabaja en París. Su investigación ha aportado al arte una forma nueva de conocimiento del fenómeno color, ampliando considerablemente su universo perceptivo. Es presidente de la Fundación del Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, en Caracas y miembro de la Orden de Andrés Bello (OAB).


EL COLOR ES UN  HECHO AUTÓNOMO QUE EXISTE SIN NECESIDAD  DE LA FORMA"  Carlos Cruz  Diez


domingo, 18 de septiembre de 2016

Esquema resumen de Historia de Arte en la Pintura.


Pre Histórica (25.000 C.A. – 3.000 C.A.) {Pintura rupestre y artesanías}

Antiguo (3.000 C.A. – 300 A.C.)

 {Egipcio y Mesopotámico}

Clásico (1.000 C.A. – 300 d.C.)
 {Griego y Romano}

Alta Edad Media (300 – 900) 
{Paleocristiano y Prerrománico}

Baja Edad Media (900 – 1.400) 
{Romanico y Gotico}

Edad Moderna (1.400 – 1.800) 
{Renacimiento, Manierismo, Barroco, Rococo, Neo clasismo}

No Europeo 
{Precolombino, Africano, Indio, Chino, Japones, Oceanico}

Edad Contemporánea (1.800 - actualidad) 

1.    Romanticismo
2.    Realismo
3.    Impresionismo
4.    Neoimpresionismo
5.    Postimpresionismo
6.    Simbolismo
7.    Vanguardismo
7.1. Fauvismo
7.2. Expresionismo
7.3. Expresionismo
8.    Cubismo
9.    Futurismo
10. Dadaismo
11. Surrealismo
12. Asbtracto
13. Constructivo
13.1.            Supermatismo




ULTIMAS TENDENCIAS (1945 – actual)
14. Informalismo
14.1.            Tachismo
14.2.            Brut
14.3.            Materica
15. Pop Art
16. Nuevo Realismo
17. Cinético (efecto Moire)
18. Acción
19. Minimalismo
20. Hiperrrealismo
21. Conceptual
21.1.            Land Art
21.2.            Bio Art
22. Post Moderno
23. Transvanguardia
24. Neoexpresionismo
25. Neomanierismo
26. Figuración Libre
27. Art Deco
28. Naif
29. Op Art 
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Vincent Willem Van Gogh


Fue un pintor neerlandés, orgullo de haber sido esencialemte autodiacta. uno de los principales exponentes del postimpresionismo.

Se convirtió en pastor protestante y en 1879, a la edad de 26 años, se marchó como misionero a una región minera de Bélgica, donde comenzó a dibujar a la gente de la comunidad local. En 1885 pintó su primera gran obra, Los comedores de patatas. En ese momento su paleta se componía principalmente de tonos sombríos y terrosos. La luz y la preferencia por los colores vivos por la que es conocido surgió posteriormente, cuando se trasladó al sur de Francia.

Pintó unos 900 cuadros (entre ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y realizó más de 1600 dibujos. Una figura central en su vida fue su hermano menor Theo, marchante de arte en París, quien le prestó apoyo financiero de manera continua y desinteresada. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. De las 800 cartas que se conservan del pintor, unas 650 fueron para Theo.

La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte, en una exposición retrospectiva en 1890, considerándose en la actualidad uno de los grandes maestros de la historia de la pintura. Influyó grandemente en el arte del siglo XX.

Existe varias teorías acerca del corte de lóbulo de la oreja, una teoría sugiere que fue en una pelea con su amigo y colega pintor Gauguin, otros dicen que fue una automutilación al enterarse que su hermano se iba a casar.

Al regresar a su casa Van Gogh pintó dos versiones de Autorretrato con oreja vendada, ambos cuadros muestran un vendaje en la parte derecha de la cabeza, por lo que se presume debieron ser pintados frente a un espejo, ya que la oreja mutilada fue la izquierda.

Los últimos años de Van Gogh estuvieron marcados por sus permanentes problemas psiquiátricos, que lo llevaron a ser recluido en sanatorios mentales de forma voluntaria. Luego de cuatro semanas del incidente del la oreja, presento síntomas de manía persecutoria, se imaginaba que le querían envenenar y estuvo bajo tratamiento del Dr. Félix Rey. En marzo, atendiendo una petición de sus  vecinos que avisaron a la policía, fue ingresado una vez más, permaneciendo seis semanas en el Hospital Hôtel-Dieu de Arlés. El 17 de abril, Theo contrajo matrimonio con Johanna Bonger en Ámsterdam. Poco después, Vincent decidió internarse voluntariamente en el hospital mental de Saint-Paul-de-Mausole, un ex-monasterio, en Saint-Rémy-de-Provence.

En el sanatorio tenía dos habitaciones disponibles, una de ellas habilitada para servirle de taller. Cuando no podía pasear, pintaba cuadros de interior, como Jarrón con lirios. Uno de sus primeros cuadros allí fue Iris, donde muestra una gran vitalidad rítmica y una gran conjunción de colores. En esta época su pintura se caracteriza por la presencia de remolinos, como se puede observar en una de sus pinturas más conocidas, La noche estrellada.

Cuando dejó de salir a dar paseos por los alrededores de la clínica, empezó obras donde los temas eran pinos, cipreses y olivos. Fue durante el mes de junio cuando desarrolló los efectos pictóricos de los árboles. De los olivos con sus troncos sinuosos, hizo varios cuadros: Alpilles con olivos en primer plano, Olivo y Recolección de la oliva. Los pinos los tenía como modelos en el mismo jardín del hospital. Uno de los primeros cuadros fue Maleza, donde sólo se aprecian en la parte inferior de los troncos con tonos constituidos por azules fríos. Más tarde pintó los pinos que se aprecian en los cuadros: El jardín del hospital de Saint Pauly Pinos en el cielo de la tarde. Pero fueron los cipreses, con su forma triangular, los que le sirvieron para crear una magnífica serie de paisajes. Incorporaba la mancha oscura del ciprés en muchas de sus grandes composiciones, como en La noche estrellada y, entre otras, en Campo de trigo con ciprés, Cipreses con dos mujeres y Ciprés en el cielo estelar.

Falleció a los 37 años por una herida de bala de pistola; aún no se sabe con seguridad si fue un suicidio o un homicidio involuntario. A pesar de que existe una tendencia general a especular que su enfermedad mental influyese en su pintura, el crítico de arte Robert Hughes cree que las obras del artista están ejecutadas bajo un completo control; de hecho, el pintor jamás trabajó en los periodos en los que estaba enfermo.

Cuidado de Plantas Suculentas


Gracias a sus propiedades de almacenamiento de agua son muy duraderas y requieren poco cuidado. Estéticamente especiales y hermosas por su efecto acolchonado en las hojas o tallos, son perfectas para decorar, permiten ser cultivadas en sitios donde les de mucho el sol o bien en interiores.
Solo debes saber e cosas para su cuidado:
1 Si están en interiores puedes regarlas todos los días humedeciendo un poco.
2 Si están en el exterior, puedes regar cada 3 o 4 días dependiendo del ambiente.
3 Si les falta Agua podrás observar moretones den las hojas.
4 Si es exceso de agua tallos y hojas se observaran aguados y sus hojas se van haciendo traslucidas. (deben estar fuertes e infladas)

viernes, 9 de septiembre de 2016

Suculentas



Es genial saber que las plantas suculentas o crasas, del latín suculentus, 'muy jugoso', son aquellas en las que algún órgano o parte de ellas, puede ser la hoja o el tallo, se ha modificado en una nueva especialización que permite el almacenamiento de agua en cantidades mucho mayores que en el resto de las plantas y por periodos prolongados.

La adaptación de las suculentas les permite colonizar entornos áridos o en los que la captación de agua es limitada. 

Muchas suculentas presentan una superficie cubierta de pelillos (pubescentes) que retienen el rocío matutino. Otras de ellas para maximizar la retención de la humedad, crecen poco, con lo cual se limita el número de ramificaciones y la longitud de estas. Tambien desarrollan de recubrimientos pruinosos en la superficie de hojas y tallos, esto es como una capa blanca, similar a las que vemos en las uvas, con la finalidad de protejer la planta y preservarla por mas tiempo.

Las suculentas no están genéricamente relacionadas entre sí, sino que han desarrollado independientemente rasgos similares en su proceso de evolución. 

Increible que hay miles de especies de plantas suculentas, clasificadas en varias familias. 

sábado, 27 de agosto de 2016

Pablo Ruiz Picasso


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Pintor y escultor español, nacido en Malaga y creador, junto con Georges Braque, del cubismo.
Comenzo a dibujar a los 8 anos e hizo su primera exposición con 13 años y publicó caricaturas y dibujos en las revistas autoeditadas a mano "La Coruña", "Azul y Blanco" o "Torre de Hércules".14 15
El joven Pablo fue admitido como alumno en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona y cursó estudios durante dos años, lo que le condujo a pintar. Fue un astudiante brillante y precoz, Picasso superó en un solo día, a la edad de catorce años, el examen de ingreso en la Escuela de la Lonja, y se le permitió saltarse las dos primeras clases. A sus 18 anos realizaba 2 cuadros por noche y los vendia por ciento cincuenta francos en la Rue Laffite. En una época no tenia dinero para comprar lienzos, por lo que solo dibujaba. 

Luego de la visita al Museo de Etnografía en el Palacio del Trocadero de París, en donde fue su primer contacto con un amplio número de piezas africanas y oceánicas. Sus obras se veian fuertemente influenciadas, los rostros se asemejaban a mascaras africanas, su estilo se vio fuertemente influenciado por la escultura africana, pero el artista pretendió siempre lo contrario. 


Es considerado desde el génesis del siglo XX como uno de los mayores pintores que participaron en muchos movimientosartísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Laborioso y prolífico, pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.
En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista de España y del Partido Comunista Francés hasta su muerte2 el 8 de abril de 1973 en su casa llamada «Notre-Dame-de-Vie» en Mougins (Francia), a causa de un edema pulmonar a los 91 años.


viernes, 26 de agosto de 2016

Simbología de Dalí

Dalí describió un extenso y personal universo simbólico a lo largo de su obra. Los «relojes blandos», que habían aparecido en 1931, fueron interpretados como una referencia a la teoría de la relatividad de Albert Einstein, y fueron supuestamente creados tras la observación de unos pedazos de camembert expuestos al sol un caluroso día de agosto.

Además de que siempre marcan las seis , la hora del surrealismo. Otro de sus símbolos recurrentes es el elefante, que apareció por vez primera en el Sueño causado por el vuelo de una avispa sobre una granada un segundo antes de despertar (1944). Los elefantes dalinianos, inspirados por el obelisco de Roma de Gian Lorenzo Bernini, suelen aparecer con «patas largas, casi invisibles de deseo», y portando obeliscos en sus lomos. Conjuntadas con esas delicadas extremidades, los obeliscos —en los que algunos han querido ver un símbolo fálico— crean un sentido de fantasmal irrealidad. «El elefante es una distorsión en el espacio», explicó Dalí en Dalí y el Surrealismo, de Dawn Ades, «con sus aguzadas patas contrastando la idea de ingravidez, definida sin la menor preocupación estética, estoy creando algo que me inspira una profunda emoción y con la que intento pintar honestamente».

Otro de sus símbolos recurrentes es el huevo. Enlaza con los conceptos de vida prenatal intrauterina, y a veces se refiere a un símbolo de la esperanza y el amor; y así es como se interpreta en su Metamorfosis de Narciso. También recurrió a imágenes de fauna a lo largo de toda su obra: hormigas como símbolo de muerte, corrupción, y un intenso deseo sexual; el caracol como cabeza humana (había visto un caracol sobre una bicicleta en el jardín de Sigmund Freud cuando fue a visitarle); y las langostas como un símbolo de decadencia y terror.

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech


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Fue pintor, expertodibujante, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español del siglo XX. Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo, con impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública.

Salvador Dalí nació el 11 de mayo de 1904, en la comarca catalana del Ampurdán, cerca de la frontera con Francia. El hermano mayor de Dalí muere a corta edad, lo cual marcó mucho al artista posteriormente, quien llegó a tener una crisis de personalidad, ya que su padre le dijo que él era la rencarnación de su hermano. Su madre, Felipa Domènech i Ferrés, quien alentaba los intereses artísticos del joven Salvador, muere en 1921 y Dali manifiesta su dolor «el golpe más fuerte que he recibido en mi vida. La adoraba. No podía resignarme a la pérdida del ser con quien contaba para hacer invisibles las inevitables manchas de mi alma...». Toda su vida fue notoria la mala relación con su padre, sobre todo luego de haberse casado con una hermana de su madre.

Estudio en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y posteriormente fue expulsado por afirmar que no había nadie en ésta en condiciones de examinarlo.

Al final de su carrera, Dalí no se limitó a la pintura, desarrollando nuevos procesos y medios experimentales: creó un boletín y se convirtió en uno de los pioneros de la holografía artística. Ya durante sus últimos años, artistas como Andy Warhol proclamaron al catalán como una de las influencias más notables del pop art. Dalí también mostró desde siempre un acusado interés por las ciencias naturales y las matemáticas. Así se observa en muchas de sus obras —sobre todo las creadas en la década de los 50— en las cuales llegó a componer retratos individuales a partir de cuernos de rinoceronte. Según el artista, el cuerno de rinoceronte significaba la geometría divina, puesto que crece en una progresión espiral logarítmica. También relacionó el concepto con los temas de la castidad y la santidad de la Virgen María

En su madurez, el artista también se implicó con otras actividades «extra-artísticas» que daban una medida de su enorme popularidad como personaje público. En 1968 Dalí grabó un anuncio televisivo para la marca de chocolate Lanvin,47 y en 1969 diseñó el logo de Chupa Chups. Ese mismo año trabajó como responsable creativo de la campaña publicitaria de Eurovisión, y creó una gran escultura metálica que se instaló en el escenario del Teatro Real de Madrid.


En 1980 la salud de Dalí se deterioró seriamente, Con 76 años, el estado de Dalí era lamentable, y su mano sufría constantes temblores que evidenciaban el progreso de la enfermedad de Parkinson. En 1982 el rey Juan Carlos I concedió a Dalí el título de marqués de Púbol, que el artista agradeció con un dibujo, titulado Cabeza de Europa, que a la postre resultó ser su último dibujo, y que le entregó tras la visita real a su lecho de muerte.
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Tras su muerte de su esposa, Dalí perdió su entusiasmo por vivir. Deliberadamente, se deshidrató seriamente, finamente el 23 de enero de 1989, oyendo su disco favorito —Tristán e Isolda, de Richard Wagner— murió a causa de una parada cardiorrespiratoria en Figueras, con 84 años.

PSICOLOGIA DE ALGUNOS COLORES

MORADO: -Romanticismo -Nostalgia -Imaginación -Fantasía
VERDE: -Naturaleza -Fertilidad -Salud-Equilibrio -Vida -Armonía -Comienzo 
AMARILLO: -Calidez -Felicidad -Dulzura -Tranquilidad -Suavidad
NARANJA: -Vitalidad -Calidez -Energía -Provecho
ROSA: -Excitación -Teatralidad -Alegria -Atractividad -Festividad -Vibrante -Flirteo 
AZUL: -Credibilidad -Profundidad -Autoridad -Fuerza -Profesionalidad -Concentración
TURQUESA: -Infinidad -Compasión -Protección -Frescura


AMANECER DE PLAYA PSICODELICO.



Teorias sobre la Psicologia del Color


La psicología del color analiza el efecto del color en la percepción y la conducta humana. Desde el punto de vista estrictamente médico, todavía es una ciencia inmadura de la psicología contemporánea, donde las técnicas adscritas a al tema se categorizan como medicina alternativa.
En un sentido más amplio, el estudio de la percepción de los colores constituye una consideración habitual en el diseño arquitectónico, la moda, la señalética y el arte publicitario.
Si bien la psicología del color tuvo incidencia en la psicología humana desde tiempos remotos, circunstancia que se expresaba y sintetizaba simbólicamente.
Por ejemplo, en la antigua China representaban los puntos cardinales con azul, rojo, blanco y negro, reservando el amarillo para el centro, al igual que los mayas de América del Centro relacionaban Este, Sur, Oeste y Norte con los colores rojo, amarillo, negro y blanco respectivamente. En Europa los alquimistas relacionaban los colores con características de los materiales que utilizaban, por ejemplo rojo para el azufre, blanco para el mercurio y verde para ácidos o disolventes.
Uno de los primeros estudiosos que analizó las propiedades del color fue Aristóteles, que describió los “colores básicos” relacionados con la tierra, el agua, el cielo y el fuego.
En el siglo XIII Sir Roger Bacon registró sus observaciones sobre los colores de un prisma atravesado por la luz, atribuyendo el fenómeno a las propiedades de la materia.
Entre los siglos XIV y XV, Cennino Cennini escribe el que sería el más famoso tratado de técnicas artísticas en las que hace cuidadosas observaciones acerca de los colores.
Más tarde Leonardo da Vinci clasificó como colores básicos al amarillo, verde, azul y rojo de acuerdo a aquellas categorías de Aristóteles, agregando el blanco como receptor de todos los demás colores y el negro -la oscuridad- como su ausencia.
Recién empezado el siglo XVIII, Isaac Newton plantearía los fundamentos de la teoría lumínica del color, base del desarrollo científico posterior.
De todas formas, el precursor de la psicología del color fue el poeta y científico alemán Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832) que en su tratado Teoría del Color, 

se opuso a la visión meramente física de Newton, proponiendo que el color en realidad depende también de nuestra percepción, en la que se halla involucrado el cerebro y los mecanismos del sentido de la vista. De acuerdo con la teoría de Goethe, lo que vemos de un objeto no depende solamente de la materia; tampoco de la luz de acuerdo a Newton, sino que involucra también a una tercera condición que es nuestra percepción del objeto. De aquí en más, el problema principal pasó a ser la subjetividad implícita en este concepto novedoso.
Sin embargo, tal subjetividad no radica en los postulados de Goethe, sino en la misma base física del concepto de color, que es nuestra percepción subjetiva de las distintas frecuencias de onda de la luz, dentro del espectro visible, incidiendo sobre la materia.
Hoy en día el estudio mas famoso basado en la teoría de los colores de Goethe es Psicología del color, de Eva Heller.
Este libro aborda la relación de los colores con nuestros sentimientos y demuestra cómo ambos no se combinan de manera accidental, pues sus asociaciones no son meras cuestiones de gusto, sino experiencias universales que están profundamente enraizadas en nuestro lenguaje y en nuestro pensamiento. Organizado en 13 capítulos que corresponden a 13 colores distintos, el volumen poporciona una gran cantidad y variedad de información sobre los colores: desde dichos y saberes populares, hasta su utilización en el diseño de productos, los diferentes tests que se basan en colores, la curación por medio de ellos, la manipulación de las personas, los nombres y apellidos relacionados con colores, etc.
La diversidad de este enfoque convierte a la obra de Eva Heller en una herramienta fundamental para todas aquellas personas que trabajan con colores: artistas, terapeutas, diseñadores gráficos e industriales, interioristas, arquitectos, diseñadores de moda, publicistas, entre otros.

lunes, 22 de agosto de 2016

Frida Khalo


Pintora Mexicana, nacida en Coyoacan, el 6 de Julio de 1907. Su vida quedo marcada por el sufrimiento físico de una poliomielitis y a los 16 anos por un grave accidente donde empieza a pintar desde su cama.

Nunca pudo tener hijos, eso le ocasiono un gran dolor. Dolor que reflejaba en sus pinturas a las cuales ella denominaba autorretratos. Aun cuando expertos decían que era Surrealista y otros realista, ella sostenía que era su propia vida.


Sin embargo en mi opinión es una forma muy subjetiva de ver las cosas, ya que, si bien ella pintaba sus emociones, todo pintor o toda persona creadora va a expresar sus emociones en lo que crea, a pesar de que sea real el sentimiento, lo que se aprecia en la pintura esta fuera de la realidad.

Cada obra es una metáfora que expresa cada detalle de su sufrimiento y partiendo de que es una metáfora, a simple vista y en términos de arte el completamente surreal.