lunes, 26 de septiembre de 2016

ARTE POVERA - ARTE POBRE

El término arte povera (del italiano arte pobre) es una tendencia de finales del la década de 1960, los artistas utilizan materiales considerados pobres y no industriales, de muy fácil obtención o hasta de poco valor, como madera, plantas, sacos de lona, troncos, tierra, hojas o rocas, vajilla, placas de plomo o cristal, vegetales, telas, carbón o arcilla, o también materiales de desecho.

En un esfuerzo por huir de la comercialización del objeto artístico, ocupan el espacio y exigen la intervención del público. Tratan de provocar una reflexión entre el objeto y su forma, a través de la manipulación del material y la observación de sus cualidades específicas.
MARIO MERZ

El arte povera, rechazaba los iconos de los medios de comunicación masivos  y las imágenes reductivistas, así como también las industriales del pop art y el minimalismo. Propone un modelo de extremismo operacional basado en valores marginales y pobres. Utiliza un alto grado de creatividad y espontaneidad e implica una recuperación de la inspiración, la energía, el placer y la ilusión convertida en utopía.
JANIS KOUNELLIS

El arte povera prefiere el contacto directo con los materiales sin significación cultural alguna, materiales que no importa su procedencia, ni uso, que sean reutilizados o transformados por el artista.

El artista povera debía trabajar sobre cosas del mundo, producir hechos mágicos, descubrir raíces de los acontecimientos partiendo de materiales y principios dados en la naturaleza. No expresa juicios sobre su entorno.
VIK MUNIZ

El arte povera también es considerado por el artista como una extensión del cuerpo y el alma del mismo conectándose directamente con el entorno, la naturaleza y todo lo que le rodea, entrando en armonía. Sus obras aunque no convencionales tienen una gran armonía y estilo únicos, dado por los materiales no comunes con los que se trabaja.

domingo, 25 de septiembre de 2016

NAIF

El concepto NAIF alude no solo a cierto estilo, aplicado en el arte, sino que se formaliza en una graciosa falta de conocimientos técnicos y teóricos: en algunos casos suele faltar un sistema de perspectiva o una línea de fuga, así como un ajustado criterio de las proporciones o un elaborado trabajo cromático, por lo que podríamos decir que los autores pintaban lo que ellos deseaban o les parecía más adecuado sin atenerse a ninguna norma. 

Henri Julien Félix Rousseau, llamado "El aduanero Rousseau" - fue un célebre pintor francés, uno de los máximos representantes del arte naif




NAIF es un estilo artístico que representa una realidad ingenua y expontanea con sensibilidad infantil. Esta corriente artística se caracteriza por una gran simplicidad en las formas, el uso de colores muy vivos, el rechazo del academicismo técnico, llevada al autodidactismo y la intuicion de los artistas. En muchos aspectos, recuerda (o se inspira en) el arte infantil.

Aunque el genuino NAIFpor definición no puede tener motivos predeterminados, suelen darse (debido al ambiente cultural en que surge) temáticas relacionadas con la vida campesina, la vida familiar, las costumbres, las tradiciones y la religión, representados siempre con gran imaginación y vivacidad. El naíf propiamente dicho se suele encontrar en ciertas pinturas populares o folclóricas. 

FELICIANO CARVALLO - La Máxima Expresión del Arte Ingenuo en Venezuela
CARLOS RIVERO - Conocido y prestigioso pintor popular Venezolano, poseedor de un Arte Naifes

ARTE ABSTRACTO

Arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones.

El arte abstracto no imita o reproduce fielmente lo natural. Rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista. En otras palabras, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.

El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.
POLLOCK - Expresionismo Abstracto. Era reconocido por su estilo único de salpicar pintura.



La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligera, parcial o completa. 

Por lo tanto una obra de arte puede ser en parte abstracta, posee libertades de alterar o cambiar la forma y el color de manera evidente. Mientras que la abstracción total, no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible. 

El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes. Pero el arte figurativo y el representativo (o realista) a menudo contiene algo de abstracción parcial. 

PICASSO - Cubismo
Entre los muy diversos movimientos artísticos que personifican una abstracción parcial estarían por ejemplo el fauvismo en el que el color está intencionadamente alterado en relación con la realidad, y el cubismo, que claramente altera las formas de la vida real en los objetos que representa.
HENRI MATISSE - Fauvismo  o Fovismo


Arte Cinético - Arte Óptico

El arte cinético es una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo. Es una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para producir una impresión de movimiento. 
Eusebio Sempere
Britget Riley

La pintura cinética maneja el efecto visual y la percepción que se produce al mirar una figura bidimensional sin ninguna alteración, si no simplemente la combinación de formas y colores, una especie de ilusión óptica.

El Arte Óptico (OP ART) es un movimiento pictórico, nacido en los Estados Unidos en el año 1958, que junto con el arte cinético conforman corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. 

También se habla del efecto o patrón de Moiré, formado por dos conjuntos de líneas paralelas, un conjunto inclinado en un ángulo de 5 grados respecto al otro.
Efecto Moiré

Es uno de los máximos representantes del op art (arte óptico) a nivel mundial. Nació en Caracas, Venezuela, el 17 de agosto de 1923 y desde 1930, vive y trabaja en París. Su investigación ha aportado al arte una forma nueva de conocimiento del fenómeno color, ampliando considerablemente su universo perceptivo. Es presidente de la Fundación del Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, en Caracas y miembro de la Orden de Andrés Bello (OAB).


EL COLOR ES UN  HECHO AUTÓNOMO QUE EXISTE SIN NECESIDAD  DE LA FORMA"  Carlos Cruz  Diez


domingo, 18 de septiembre de 2016

Esquema resumen de Historia de Arte en la Pintura.


Pre Histórica (25.000 C.A. – 3.000 C.A.) {Pintura rupestre y artesanías}

Antiguo (3.000 C.A. – 300 A.C.)

 {Egipcio y Mesopotámico}

Clásico (1.000 C.A. – 300 d.C.)
 {Griego y Romano}

Alta Edad Media (300 – 900) 
{Paleocristiano y Prerrománico}

Baja Edad Media (900 – 1.400) 
{Romanico y Gotico}

Edad Moderna (1.400 – 1.800) 
{Renacimiento, Manierismo, Barroco, Rococo, Neo clasismo}

No Europeo 
{Precolombino, Africano, Indio, Chino, Japones, Oceanico}

Edad Contemporánea (1.800 - actualidad) 

1.    Romanticismo
2.    Realismo
3.    Impresionismo
4.    Neoimpresionismo
5.    Postimpresionismo
6.    Simbolismo
7.    Vanguardismo
7.1. Fauvismo
7.2. Expresionismo
7.3. Expresionismo
8.    Cubismo
9.    Futurismo
10. Dadaismo
11. Surrealismo
12. Asbtracto
13. Constructivo
13.1.            Supermatismo




ULTIMAS TENDENCIAS (1945 – actual)
14. Informalismo
14.1.            Tachismo
14.2.            Brut
14.3.            Materica
15. Pop Art
16. Nuevo Realismo
17. Cinético (efecto Moire)
18. Acción
19. Minimalismo
20. Hiperrrealismo
21. Conceptual
21.1.            Land Art
21.2.            Bio Art
22. Post Moderno
23. Transvanguardia
24. Neoexpresionismo
25. Neomanierismo
26. Figuración Libre
27. Art Deco
28. Naif
29. Op Art 
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Vincent Willem Van Gogh


Fue un pintor neerlandés, orgullo de haber sido esencialemte autodiacta. uno de los principales exponentes del postimpresionismo.

Se convirtió en pastor protestante y en 1879, a la edad de 26 años, se marchó como misionero a una región minera de Bélgica, donde comenzó a dibujar a la gente de la comunidad local. En 1885 pintó su primera gran obra, Los comedores de patatas. En ese momento su paleta se componía principalmente de tonos sombríos y terrosos. La luz y la preferencia por los colores vivos por la que es conocido surgió posteriormente, cuando se trasladó al sur de Francia.

Pintó unos 900 cuadros (entre ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y realizó más de 1600 dibujos. Una figura central en su vida fue su hermano menor Theo, marchante de arte en París, quien le prestó apoyo financiero de manera continua y desinteresada. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. De las 800 cartas que se conservan del pintor, unas 650 fueron para Theo.

La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte, en una exposición retrospectiva en 1890, considerándose en la actualidad uno de los grandes maestros de la historia de la pintura. Influyó grandemente en el arte del siglo XX.

Existe varias teorías acerca del corte de lóbulo de la oreja, una teoría sugiere que fue en una pelea con su amigo y colega pintor Gauguin, otros dicen que fue una automutilación al enterarse que su hermano se iba a casar.

Al regresar a su casa Van Gogh pintó dos versiones de Autorretrato con oreja vendada, ambos cuadros muestran un vendaje en la parte derecha de la cabeza, por lo que se presume debieron ser pintados frente a un espejo, ya que la oreja mutilada fue la izquierda.

Los últimos años de Van Gogh estuvieron marcados por sus permanentes problemas psiquiátricos, que lo llevaron a ser recluido en sanatorios mentales de forma voluntaria. Luego de cuatro semanas del incidente del la oreja, presento síntomas de manía persecutoria, se imaginaba que le querían envenenar y estuvo bajo tratamiento del Dr. Félix Rey. En marzo, atendiendo una petición de sus  vecinos que avisaron a la policía, fue ingresado una vez más, permaneciendo seis semanas en el Hospital Hôtel-Dieu de Arlés. El 17 de abril, Theo contrajo matrimonio con Johanna Bonger en Ámsterdam. Poco después, Vincent decidió internarse voluntariamente en el hospital mental de Saint-Paul-de-Mausole, un ex-monasterio, en Saint-Rémy-de-Provence.

En el sanatorio tenía dos habitaciones disponibles, una de ellas habilitada para servirle de taller. Cuando no podía pasear, pintaba cuadros de interior, como Jarrón con lirios. Uno de sus primeros cuadros allí fue Iris, donde muestra una gran vitalidad rítmica y una gran conjunción de colores. En esta época su pintura se caracteriza por la presencia de remolinos, como se puede observar en una de sus pinturas más conocidas, La noche estrellada.

Cuando dejó de salir a dar paseos por los alrededores de la clínica, empezó obras donde los temas eran pinos, cipreses y olivos. Fue durante el mes de junio cuando desarrolló los efectos pictóricos de los árboles. De los olivos con sus troncos sinuosos, hizo varios cuadros: Alpilles con olivos en primer plano, Olivo y Recolección de la oliva. Los pinos los tenía como modelos en el mismo jardín del hospital. Uno de los primeros cuadros fue Maleza, donde sólo se aprecian en la parte inferior de los troncos con tonos constituidos por azules fríos. Más tarde pintó los pinos que se aprecian en los cuadros: El jardín del hospital de Saint Pauly Pinos en el cielo de la tarde. Pero fueron los cipreses, con su forma triangular, los que le sirvieron para crear una magnífica serie de paisajes. Incorporaba la mancha oscura del ciprés en muchas de sus grandes composiciones, como en La noche estrellada y, entre otras, en Campo de trigo con ciprés, Cipreses con dos mujeres y Ciprés en el cielo estelar.

Falleció a los 37 años por una herida de bala de pistola; aún no se sabe con seguridad si fue un suicidio o un homicidio involuntario. A pesar de que existe una tendencia general a especular que su enfermedad mental influyese en su pintura, el crítico de arte Robert Hughes cree que las obras del artista están ejecutadas bajo un completo control; de hecho, el pintor jamás trabajó en los periodos en los que estaba enfermo.

Cuidado de Plantas Suculentas


Gracias a sus propiedades de almacenamiento de agua son muy duraderas y requieren poco cuidado. Estéticamente especiales y hermosas por su efecto acolchonado en las hojas o tallos, son perfectas para decorar, permiten ser cultivadas en sitios donde les de mucho el sol o bien en interiores.
Solo debes saber e cosas para su cuidado:
1 Si están en interiores puedes regarlas todos los días humedeciendo un poco.
2 Si están en el exterior, puedes regar cada 3 o 4 días dependiendo del ambiente.
3 Si les falta Agua podrás observar moretones den las hojas.
4 Si es exceso de agua tallos y hojas se observaran aguados y sus hojas se van haciendo traslucidas. (deben estar fuertes e infladas)